Natalie Pérez (Anna 1), Noémie Ettlin (Anna 2)

Refuge des exilés, Paris accueille encore en 1933 les artistes et intellectuels en quête d’un asile. Kurt Weill est de ceux-là lorsqu’il fuit l’Allemagne qui vient de porter les nazis au pouvoir. Boris Kochno, directeur des Ballets 1933, imagine un argument chorégraphique autour des sept péchés capitaux et le soumet à Weill qui demande alors à Bertolt Brecht de le rejoindre à Paris pour en rédiger le livret. Cette nouvelle collaboration entre le compositeur et le dramaturge donne lieu à une fable ironique teintée de moralisme révolutionnaire : condamnant les rouages de la réussite flamboyante à l’américaine (entendre en accord avec le capitalisme), Les Sept Péchés capitaux se moque aussi de l’arrière-monde petit bourgeois que constitue la religion. Dès lors, l’énumération des péchés dicte la forme de l’œuvre et de la narration. En sept années, la jeune Anna, en laquelle toute sa famille a placé ses espoirs de réussite, parcourt les États-Unis de ville en péché, gravissant peu à peu les étapes qui mènent à la fortune. La danseuse est doublée d’une sœur, bonne ou mauvaise conscience, qui la guide dans ce parcours sous la forme d’une voix chantée.

Sur le plan musical, Les Sept Péchés capitaux doit autant au music-hall qu’au cycle de lieder ou encore à la cantate. Si ce dernier modèle tient plus à la dimension religieuse de l’œuvre, le délicieux choral familial de la gourmandise justifie musicalement la référence. L’œuvre se déploie alors de danses (fox-trot, tango, valse...) en numéros chantés qui oscillent du lied à la chanson. L’hybridité de l’œuvre tient autant à l’association du chant et de la danse, qu’à la variété de formes musicales qui composent le spectacle, proposant une réinterprétation austère et moralisante de la revue, forme habituellement dévolue à l’accumulation spectaculaire. Entre les véritables moments chantés, Weill intercale une narration quasi déclamée qui permet au spectateur de mieux comprendre ce que raconte le ballet. En outre, pour ce spectacle, trois chansons de Kurt Weill ont été insérées au ballet, étoffant ainsi la partie de chant et pourvoyant les moments les plus touchants vocalement.

En effet, Natalie Pérez (Anna 1) fait montre d’un très grand savoir-faire vocal dans la demi-teinte, la retenue et la finesse, mais il lui faut ces moments de chants supplémentaires, notamment Youkali, pour se laisser aller à un abandon plus théâtral. Si la maîtrise produit un effet de distanciation cher à Brecht, on aimerait être transporté au cabaret de façon plus évidente par une déclamation parfois plus aguicheuse, surtout quand l’interprète révèle ponctuellement ses talents pour projeter une voix que l’on devine ample. Il y a en effet du chic et de la subtilité dans cette musique qui se joue des codes de la musique populaire et de la musique savante, mais aussi beaucoup d’audace à laquelle il faut rendre justice. On saluera en outre, la prestation chorégraphique de l’interprète régulièrement appelée à être la partenaire de son alter ego dansant, Noémie Ettlin (Anna 2). Celle-ci prend en charge (avec donc le concours ponctuel de Natalie Pérez) l'ensemble de la dimension de « ballet » de l’œuvre. Elle semble ainsi bien seule quand la musique suggère plutôt des mouvements de groupe que des solos. En contrepoint aux pérégrinations de cette Anna double, la famille, interprétée avec beaucoup d’à-propos par Guillaume Andrieux, Florent Baffi, Manuel Nunez Camelino et Camille Tresmontant, se lamente des frasques de la fille de famille – tout en comprenant secrètement que celle-ci lui apporteront la richesse tant désirée.

Quel dommage que la mise en scène de Jacques Osinski exploite si peu les talents d’acteurs-danseurs de cette famille. Reléguée en permanence autour d’une table à l’arrière-plan, soit à lire les journaux, soit à boire, les interprètes de la famille ne viennent sur le devant de la scène qu’une seule fois pour interpréter le choral de la gourmandise, succulent moment où, en quelques pas de danse esquissés, cette équipe familiale convainc sans en rajouter, au contraire des vidéos qui alignent alors les prises de vue alimentaires dans un style publicitaire (de bonne facture au demeurant), appuyant ainsi un propos qui n’avait guère besoin de l’être. Si certains moments de la vidéo de Yann Chapotel, comme celles qui accompagnent la Complainte de la Seine, sont délicatement évocateurs, on peine à comprendre l’intérêt du dispositif, si ce n’est que de détourner l’attention d’une direction d’acteur inexistante.

Le véritable intérêt de cette soirée réside dans l’interprétation livrée par Benjamin Lévy à la tête de l’orchestre Pelléas. Le chef d’orchestre mène l’ensemble de quinze musiciens avec une vigueur qui fait la part des choses entre les intentions théâtrales, chorégraphiques et la tendresse mélancolique de certains accompagnements. Dosant avec équilibre l’ironie mordante, le chic et la poésie de cette musique, Lévy fait honneur à cette œuvre subtile.

Jules Cavalié

Noémie Ettlin (Anna 2), Photos Pierre Grosbois.